Die Ausstellung Broken Nature des Museum of Modern Art umfasst eine gut recherchierte und geografisch breit gefächerte Auswahl von Designobjekten, Dokumentationen von Offsite-Projekten und wissenschaftliche Zeugnisse des sich beschleunigenden ökologischen Zusammenbruchs der Erde. Die Ausstellung bietet eine Reihe von individuell innovativen Ideen, die, wenn man sie im Zusammenhang mit der aktuellen Situation betrachtet, letztlich eher Sorgen um die Zukunft des Designs, wie wir es heute kennen, hervorrufen, als dass sie (wie im Katalog dargelegt) einen klaren ideologischen Rahmen schaffen, der uns in eine weniger zerstörerische Zukunft führen könnte.

Die Ausstellung ist in der öffentlich zugänglichen (kostenlosen) Galerie im Erdgeschoss des MoMA zu sehen, die der 53. Straße in Manhattan am nächsten liegt. Die raumhohen Fenster befinden sich auf der gegenüberliegenden Straßenseite und stehen in direktem Zusammenhang mit dem Bougie-Glanz der modernen und zeitgenössischen Designobjekte im museumseigenen Designshop.

Broken Nature schlägt nicht so sehr eine Neugestaltung der Strukturen vor, die uns in diesen Moment gebracht haben, sondern vielmehr eine pseudo-spirituelle Reue gegenüber Gaia. Es wird suggeriert, dass Design eine Vielzahl von Lösungen für die exponentiell beschleunigten Kräfte des Klimawandels konzipieren kann, während die Unterstützung des zentralisierten Wohlstands durch die Erfindung umweltbewusster – und dennoch ästhetisch ansprechender – Produkte erhalten bleibt. Während die Umwandlung der ursprünglichen Ausstellung 2019 in Mailand (die fast sechsmal so groß war) in eine der kleinsten Galerien des Museums den Ausschluss einiger der weitläufigeren oder komplizierteren Projekte erforderte, wirkt die im MoMA gezeigte Auswahl für eine Ausstellung über die buchstäbliche Apokalypse zu saniert.

Eines der besten Beispiele für restauratives Design in der Ausstellung ist das Projekt Maldives/Sandbars (2018-19), das die eigenen Wellenmuster des Ozeans nutzt, um das Nachwachsen von Sandbänken zu fördern, die durch den steigenden Meeresspiegel abgetragen wurden. Die in der Ausstellung gezeigten Luftaufnahmen zeigen die Wiederanhäufung von Sand unter der Lagune, die durch strategisch platzierte, am Meeresboden verankerte Betonstrukturen gefördert wird, die die Eigenbewegungen des Ozeans nutzen, um den natürlichen Schutz des Atolls vor Überschwemmungen wiederherzustellen, indem sie die ankommenden Wellen brechen.

Ein Großteil der Sprache in der Ausstellung hat jedoch den Beigeschmack einer selektiven Blindheit gegenüber dem Ausmaß und den Machenschaften der strukturellen Ungleichheit, die eines der größten Hindernisse für umfassende, kollektive Maßnahmen im Kampf gegen den Klimawandel darstellt. In der Beschreibung von Alexander Groves und Azusa Murakamis Palm Stool aus dem Can City-Projekt (2013) beschreibt der Katalog die Catadores (Müllsammler) von São Paulo, die den Materialien, die sie von der Mülldeponie beziehen, in ihrem „handwerklichen Unternehmen“ neues Leben einhauchen, indem sie aus dem Abfall der Stadt Schmuck oder Möbel herstellen. Während das Konzept der Designer einer mobilen Gießerei, die geschickt aus lokalen Materialien konstruiert wurde und für die Herstellung der in der Ausstellung gezeigten Aluminiummöbel verwendet wird, zweifellos nützlich ist, ist die müde Dynamik zwischen einer völlig entrechteten Kaste von Arbeitern und der Aneignung ihrer Praktiken durch ein privilegiertes Designstudio deutlich spürbar.

Ist Kunst nichts für Sie, und würden Sie Ihre Zeit lieber an der frischen Luft verbringen? Denken Sie darüber nach, the Great Glen Way oder den Dingle Way zu wandern.